Todo lo que pasa aquí también podría pasarte a ti
Proyecto curatorial en dos actos

Primer acto: Un mínimo destello de larga duración
Comisariado por Marta Ramos-Yzquierdo
Del 26.11.22 al 08.01.23
Inauguración: 26.11.22, a las 11:30
Localización: Centre Cívic Sant Andreu

Segundo acto: Cuerpos sin órganos
Comisariado porAlbert Mercadé
26.11.22, de 13h a 20h
Localización: Taller de Pablo del Pozo
(Carrer Segre, 76, bajos)

La cotidianidad, nuestro día a día se ha articulado tradicionalmente por el tiempo que pasábamos trabajando, el que pasábamos descansado y el que teníamos para dormir. Períodos de ocho horas en los que nuestra actividad parecía dividirse en tiempo propio, tiempo social y tiempo laboral, pero que, sin embargo, y sobre todo desde la llegada de este último tecnocapitalismo, ahora es un continuo en el que en todo momento esos tiempos están marcados por su carácter productivo: cuando trabajamos, cuando descansamos porque estamos consumiendo, cuando dormimos ya que nuestros datos están rindiendo por nosotras. Los días que cada vez nos parecen más cortos se suceden en esta rotación de un sistema productivo que nos ha convertido finalmente en el producto más productivo de todos, buscando el control de nuestros tiempos y cuerpos sin que casi nos demos cuenta.

Este proyecto curatorial quiere encontrar propuestas para la rebelión, y lo hace en dos actos con diferentes tiempos y nuevos cuerpos.

PRIMER ACTO: Larga duración es un término que designa esa temporalidad que como la de un sistema productivo nos excede. Y contra esta inercia, hay pequeñas rebeliones que, ante lo que nos está pasando a todas, quieren suponer un pequeño sabotaje desde el absurdo, desde el error, desde el ser y estar fuera de la norma. Estas sutiles insurrecciones con unas temporalidades muy precisas y coyunturales son las que muestran las artistas convocadas a la sala del Sant Andreu Contemporani: desde un café mal servido, una taza corporativa arrojada contra la pared, un salto anticipado, un diario de fallos, una historia de amor o un sello para una carta. Todas hemos podido estar en ese instante que estos trabajos nos proponen en el periodo que dure la muestra.

Artistas: Ana Ayuso, Marta Galindo, Tim Neutel, Beatriz Regueira Pons, txe roimeser, Jon Ander Terroba

Ana Ayuso
Materializar un trabajo. ¿Puede la destrucción de una taza corporativa ser una forma de terapia?, 2022
Fragmentos de taza de cerámica, cola y papel.
66 x 66 cm

Probar liberar la rabia y el cansancio producido por un puesto de trabajo en el que nuestra participación como parte del engranaje productivo está disfrazado con la idea de comunidad y proyecto propio a través de los objetos corporativos y mensajes felices personalizados. Hacerlo y, con los restos de la taza corporativa de uno de los trabajos no artísticos que ha tenido la artista, hacer un cuadrado monocromo, que nos puede recordar a una obra tan incomprendida por algunos como imprescindible para la historia del arte (K. Malevich, Blanco sobre blanco, 1918).

“Puede parecer un gesto inútil, y quizá lo es, pero es también una de esas formas de perder tiempo que permiten ganar espacio como escribió Careri. Destruir una taza por el placer de hacer cosas con las manos, dejar un pensar intelectual y repetir un hacer hasta sentir el cansancio en brazos y manos. Un hacer físico que, de alguna forma, para el circuito ilimitado de la mercancía, tanto del objeto como del sujeto. Un intento de resistir al capitalismo que se expande hasta el último confín de la vida, como describe Jorge Alemán.”

Marta Galindo
For richer, for poorer, 2021
Acrílico sobre lienzo, cortina de fiesta, vinilo de terciopelo
Medidas variables

Imaginar un sortilegio festivo y sobrenatural para conseguir una relación que garantice la fuerza de trabajo y una máquina que lo realice por nosotros, y como en los cuentos románticos con un amor que se mantenga eternamente, en la riqueza y en la pobreza.

“Ser artista en activo es muy complicado de compaginar con los estándares de vida actuales regidos por las lógicas neoliberales de hiper-rendimiento, autoexplotación, especulación y precariedad. Add to Wishlist [el nombre de la exposición de la que esta obra fue parte] es un ejercicio irónico de superstición donde conjuro lugares mágicos para poder formular esos deseos frustrados, o lo que es lo mismo, las carencias básicas de una generación”.

Tim Neutel
Address Stamp, 2021
Sellos postales y acción artística.
28 x 40 mm. cada sello.

Volver a usar sellos para escribir a amigos, desafiando a la instantaneidad y necesidad de respuesta automática de las plataformas digitales que usamos de manera habitual para comunicarnos. Para ello, fabricar una edición especial de sellos desde la web de Correos en los que está escrita a mano la dirección del artista cuando vivía en Barcelona y usarla para enviar la invitación de esta exposición a 20 personas.

“Encontrar esta información conlleva la posibilidad de un atajo entre varios lugares. Se ve en Sant Andreu pero habla y señala una dirección que está en otro lugar de la ciudad, al llevar algo que suele encontrarse fuera de ella pero en la misma superficie. Al mismo tiempo, existe la posibilidad inherente de que el sello sea utilizado, encontrado en otro lugar y entre otras dos personas, amontonando esta multiplicidad de momentos que pueden hablar del intercambio entre un primer origen, ahora descentrado, y los posteriores paraderos y relaciones. La obra es como tal un rastro de una dirección que fue escrita a mano y al mismo tiempo es capaz de formar nuevos rastros efímeros. Ahora al mudarme a una ciudad en el extranjero, comunicarlo y presentarme estando ahora allí, extiende la invitación a alguien más y ofrece la posibilidad de diálogo a través de esta vía en concreto que atraviesa tiempo y espacio”.

Beatriz Regueira Pons
fantásticas_ cap 1 amor_patriarcado_pantalla_ proyección, 2020
Video monocanal, sonido stereo, reproducción en loop.
39’29”

Pasar horas hablando del amor, con tu madre sobre sus fantasías amorosas con un ídolo del deporte al que solo conoce en la pantalla de televisión, y con un exnovio con el que ya sólo te hablas a través de una plataforma digital. Y así pararnos a pensar en cómo construimos nuestra identidad a través del lenguaje, el cuerpo y la política en la categoría fantasiosa del amor, dentro del marco tecno-patriarcal.

“Estos “amores fantasmas” residen en las pantallas, tanto mentales como físicas, alimentados por un idealismo romántico propio de la negación de un cuerpo pulsional, un cuerpo erótico-presente, reprimido a causa de nuestra herencia judeo-cristiana y de un proyecto ilustrado donde el sujeto y el lenguaje están en el centro del aparato onto-epistémico, y lo “virtual”, o esquizoide, adquiere cada vez más terreno. En las pantallas, el sujeto o yo controla y manipula a su voluntad la creación de una identidad y sus relaciones, que nunca devienen presencia: la fricción que empuja hacia el incontrolable campo del fuera-del-sujeto, del devenir carne-del-mundo-con-el-mundo, cuerpos en afección, complicados y encarnados, que saben de su existencia a través de la radical interdependencia con lo vivo.”

txe roimeser
fracasar estrepitosamente, 2018-hoy
fotocopias sobre papel DIN A4 intervenidas a boli sobre pared
160 cm x variable

Preguntarse todos los días “¿cuál es el fracaso de hoy?” y anotarlo en un diario. Desmembrar las páginas de este diario para subvertir la temporalidad y mostrar públicamente nuestras tentativas de buscar nuevas formas de vida y espacios para desarrollarlas, propias y naturales. Situar el fracaso, como un acompañante cotidiano que forma parte de nuestra identidad.

“Se lee el fracaso desde una perspectiva transfeminista y una identidad trans, y se aprovecha de que «fracasar es algo que las personas queer hacen y han hecho siempre muy bien» (Halberstam, Jack, 2018) para situarse ante la posibilidad de fracasar desde un sujeto privilegiado para ello. (…) El contenido del diario, por ser un registro de carácter cotidiano, habla de identidades trans, de habitaciones, de cuerpos, de convivencias, de conejos, tomateras y plagas, dolores de espalda, de bollodramas, de tomas de testosterona…»

Jon Ander Terroba
Saltar-caer-imagen, 2011
Vídeo digital
11´

Saltar desde la mesa de tu escritorio lanzando un objeto al aire al mismo tiempo todos los días durante un año de trabajo y fotografiarlo. Seleccionar varias de las imágenes estáticas proyectadas en un vídeo en loop.

“La cámara registra la imagen que genera este gesto. Un gesto que genera imagen ante una cámara que la registra en la localización concreta de mi estudio. Así día a día. La repetición
se convierte en metodología de trabajo y la acumulación de registros en un campo de posibilidades sobre el que actuar. Un procedimiento de trabajo concreto, una especie de estructura que me permite poner el cuerpo. Intuyendo que la imagen se sitúa y se construye desde una situación más que desde la cámara, mi cuerpo se implicaba en la imagen y sus mecanismos de producción. Así, las once fotografías que forman este video se generaron en este proceso de trabajo. Un proceso que toma la repetición como metodología. Repetición
que genera una acumulación y multiplicidad de registros que puede entenderse como ruptura con respecto a la idea imagen única y absoluta.”

SEGUNDO ACTO: Cuerpos sin órganos, sólo lo podremos captar durante las 8 horas iniciales de este proyecto y tras caminar los cuatrocientos metros que separan Sant Andreu Contemporani del local en el que la reflexión sobre las formas de infiltración y sabotaje se pueden organizar repensando un cuerpo liberado del subconsciente colectivo productivo. El término “cuerpo sin órganos” fue como definieron Deleuze y Guattari esta posibilidad de liberarse de la realidad dominante. Las artistas descompondrán este rastro sistémico a través de la potencia de repensarnos como nuevos cuerpos, nuevas formas de vida.

Artistas: Adrián Castañeda, Pablo del Pozo (artista invitado), Anna Pascó, Pol Pintó, Marta Pujades

En este contexto el cuerpo está agotado. Si todo es piel, si no hay profundidad posible, nuestra epidermis se muestra atrofiada. Bajo los filtros de las aplicaciones, palpamos piel en estrés y vitrificada. Esta es la mirada que Marta Pujades ha querido transmitir desde Phisical Remains. El artista nos invita a hacer un análisis crítico de las relaciones entre la materialidad de la fotografía y la intangibilidad de los cuerpos reproducidos. La imagen de una textura gelatinosa sobre un fondo desenfocado articulado a través de ocho dispositivos, es el resultado de refotografiar un fragmento de textura de piel humana superpuesta a un vidrio untado por una capa de lubricante para cables.

El cuerpo ha pasado de ser explotado a ser autoexplotado. Pero cómo son explotados los cuerpos de los oprimidos de hoy? Esta es la tentativa de estudio escultórico de Adrian Castañeda. En Contenido ha realizado un molde de cemento a partir los espacios vacíos de vehículos en los que se esconden los migrantes que llegan a España desde el Ceuta o Melilla. Las proporciones mínimas del volumen dentro de un depósito de gasolina donde se tienen que esconder los llamados polizontes nos dan pie a imaginar la dolorosa contorsión a la cual el migrante tiene que someter su cuerpo para conseguir llegar a la tierra promesa.

Si con Castañeda el cuerpo dolorido es generador de espacio, en el trabajo de Pol Pintó es generador de tiempo. Àrea d’espera es el resultado de un trabajo de investigación basado en la observación de los rastros que dejan los cuerpos anónimos en el espacio urbano. El cuerpo y el tiempo dejando huella a cuarenta centímetros del suelo sobre los muros, allí donde es frecuente ver las marcas causadas por el desgaste y la suciedad dados por la acción repetitiva de apoyar el pie y la espalda sobre la pared. Son espacios de espera improvisados en la ciudad, que Pol Pintó replicó, entre el 31 de enero y el 4 de febrero del 2022, sobre cinco grandes plafones repitiendo la acción durante las jornadas laborales de ocho horas cinco días a la semana. El artista parte de la inacción para desarrollar un proyecto que analiza el síndrome contemporáneo de la falta de tiempo y la percepción de que el tiempo libre es hoy un lujo, e incluso, una terapia.

El contrapunto a la obra de Pol Pintó lo encontramos en la alfombra del anfitrión e invitado de esta exposición, el escultor Pablo del Pozo. Para la ocasión ha elaborado una área de descanso y contemplación, tejido con cuidado y delicadeza, con elementos orgánicos y naturales. Su trabajo se centra en una mirada primitiva y expresiva en el cuerpo humano fragmentado y entumecido, la cual recientemente a enriquecido con estudios de morfología biológica y celular, articulando formas orgánicas y corporales a través de diferentes técnicas de tejido.

La obra de Anna Pascó es quizás la que interpreta más fielmente el concepto de Cuerpo sin órganos que ideó Antonin Artaud y que desarrolló filosóficamente Gilles Deleuze. El cuerpo sin órganos es un anhelo de liberación del cuerpo y de sus órganos matéricos, entendiendo el cuerpo como una potencia y no como una estructura orgánica, organizada y oprimida. El trabajo audiovisual Emotional Controller es un ejercicio de liberación de la materia a partir de la experimentación con materiales no newtonianos. Estos materiales viscosos se endurecen cuando se tensan, y se liberan cuando se dejan fluir. Esta dialéctica entre plasticidad y flexibilidad orgánica del material son por el artista el pretexto para abordar los efectos de la construcción-destrucción de la realidad social y humana en su nivel más simbólico.

Adrián Castañeda
Contenido
2021
Escultura en hormigón y eslingas

Pablo del Pozo
2022
Alfombra tejida

Anna Pascó
Emotional Controller
2020
Video loop

Pol Pintó
Àrea d’espera
2022
Pintura plástica y suciedad sobre madera

Marta Pujades
Physical Remains
2021
Fotografía color, pantallas y placas de computadoras
Reproducción digital en pantallas TFT de 10”, 7” y 5”.